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RESEÑA: GOD’S FAVORITE CUSTOMER-FATHER JOHN MISTY

 Por: Germán Ortega | @Gobi3_1

De ser un simple evangelista a pasar a convertirse en un moderno prodigio sin la búsqueda de la fama absoluta. Es incalculable toda la materia que transcurre dentro del ego de Joshua Tillman para transmitirlo a lo largo de sus lanzamientos, y que incluso incurren en su vida diaria. Iniciando su carrera con tintes más folclóricos bajo el nombre J. Tillman, su breve paso en el post-rock con Saxon Shore,  o sus acortada estadía como baterista en Fleet Foxes con el que grabó Helplessness Blues.

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Pero no fue hasta el 2012 cuando decidió instaurarse con el seudónimo Father John Misty, que con cuatro lanzamientos se ha posicionado como una de las figuras más relevantes de nuestros tiempos así como también se ha ganado el desprecio o incomprensión de otros cuantos. Respetando sus raíces folk en las que relata varias incertidumbres de él mismo con su vida a través de numerosas metáforas (Fear Fun), el expresionismo hacia su querida esposa Emma (I Love You, Honeybear), y el auténtico desquite sobre las razas y el Estados Unidos trumpiano (Pure Comedy), que incluso le llegó a generar polémica con por una discreta mención a Taylor Swift así como una riña virtual con Ryan Adams. Con este último lanzamiento, Tillman ya se encontraba en la mira de varios medios sin la necesidad de convertirse en un rockstar o un producto prefabricado para las masas sin importar las cosas que puedan brotar de su ego.

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Y a pesar que ya transcurrió un año del lanzamiento de su más reciente placa, la necesidad de seguir componiendo y grabando no detienen al cantautor originario de Maryland. De esa menester sale God’s Favorite Customer, su cuarto larga duración con el nombre artístico que le conocemos desde hace más de un lustro, y el cual sería compuesto en tan solo dos meses encerrado en la habitación de un hotel en el que se hospedó durante la gira promocional de Pure Comedy. Adentrándonos a fondo, en este nuevo larga duración notamos a un Tillman más humano sin perder su sarcasmo y sentido del humor característico, ni tampoco buscando promocionarse como un sonido y producto de nostalgia.

La presencia de la deidad omnipresente en medio del rotundo caos se hace participe con el track abridor Hangout At The Gallows, que si bien parece ser una última huella que pudo pertenecer sin problemas al disco del año pasado. Las reflexiones y experiencias vividas tras la grabación de estos tracks se reflejarían en una melodía como Mr. Tillman así como en su respectiva desolación amorosa en Just Dumb Enough To Try, con alusiones a las baladas de Elton John de los años setenta.

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Varias cosas e ideas encumbraron sobre su cabeza en esos dos meses de composición que se desarrollan a lo largo del resto de la placa. Destacando las notas de piano en melodías cursis (Date Night), la ironía de lo absurdo y lo pesimista (Please Don’t Die), y la desapasionada incertidumbre de la vida y el amor (The Palace), refiriéndose a Buddha y al hotel neoyorquino en el que se resguardó durante 60 días.

El espiritú de Lennon y Elliot Smith se ciernen en Dissappointing Diamonds Are The Rarest Of All, recurriendo nuevamente a las metáforas de Tillman sobre su esposa Emma. En el track homónimo, se hace el autorretrato de su infancia y su vida evangelista dándonos a conocer su negación de creencias al mismo señor y su desquite en esos tiempos de su infancia/juventud. La simpleza y exageración no se quedarían atrás en The Songwriter, para así terminar con el concepto borbónico que le conocemos en We’re Only People (And There’s Not Much Anyone Can Do About That) el cual es muy sencillo asimilarlo con cualquiera de nosotros como habitantes de este descorazonado mundo. O más bien, como lo indica la filosofía Tillniana.

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Incluyendo una cantidad de invitados en este material (desde James King hasta Natalie Merling, y una intervención de bajo de Mark Ronson), Joshua Tillman logra un nivel alto de bohemia y sentimentalismo en God’s Favorite Customer; sin alejarse de sus raíces folk, pero implementando su propio, desolado e incierto universo en el cual él solamente es un simple individuo más en este. Ya dependerá de la perspectiva que el oyente tenga sobre Tillman para la valoración de esta placa, considerándola superior o inferior a Pure Comedy, pero él mismo ha encontrado el equilibrio de relatar las dubitaciones de este mundo de la forma más blanda, barroca, y pomposa posible, mostrando su lado más humano y vulnerable. Ya cualquier desgracia global o inconvenientes personales son más que excusa para que Tillman se ponga a componer y transformarlo en su propio melodrama. A ver con que tópico decide ponderarse en otros lanzamientos, o por qué no, que dicho suceda durante su performance del 22 de agosto en el Plaza Condesa.

Título: God’s Favorite Customer

Artista: Father John Misty

Género: Folk Rock, Baroque Pop

Fecha de Lanzamiento: Junio 1, 2018

Disquera: Sub Pop

 

Recordando a Vinnie Paul

Por: Germán Ortega | @Gobi3_1

Es pleno mes de Junio, y en estos seis meses del presente año hemos tenido todo tipo de noticias en el ámbito metalero. Pasando desde discos que han dejado mucha conversación y expectativa como lo han sido el de Ghost, At The Gates y Amorphis; festivales y conciertos efectuados tanto en la república como el resto del mundo (sobre todo ahora que se celebra la amplia carta de festivales europeos), y noticias inesperadas que sacudieron al resto del mundo como lo fue el anuncio del retiro de Slayer de los escenarios; y el acontecimiento más reciente que dejó fríos a mucha gente y medios.

En los minutos finales del pasado viernes 22 de Junio, la cuenta de Facebook de la banda texana Pantera, anunció con mucha pena el fallecimiento de su baterista, Vinnie Paul Abbott, a los 54 años de edad. Se ha señalado en las últimas horas que su muerte fue a causa de un paro cardiaco que sufrió mientras dormía. También se sabía que estaba en grabaciones con Hellyeah (conjunto en el que ha tocado desde su fundación en 2006) de lo que sería su nuevo larga duración, el cual se esperaba que se lanzara en estos próximos meses, y con ello realizar una serie de fechas en algunos festivales de la parte norte continente para Septiembre y Octubre.

Su deceso ha causado una enorme cantidad de reacciones tanto en fans como en otros músicos y amigos. Y es por eso que para esta ocasión le rendiremos tributo al legendario vaquero del infierno con diez datos para conocer a fondo su vida y trabajo.

  1. Era hermano mayor de Dimebag, el cual falleció el 8 de diciembre de 2004 debido al tiroteo provocado por un fan en un bar en Columbus, Ohio durante una presentación con Damageplan (conjunto que se formó con los hermanos Abbott tras la ruptura de Pantera en el año 2003).

 

  1. Hablando de Pantera, Paul junto con su hermano Dime formaron a la banda en 1981. Iniciaron como un proyecto de glam metal en la que los acompañaron Terry Glaze en las guitarras, Tommy D. Bradford (que posteriormente sería reemplazado por Rex Brown), y Donnie Hart en la voz.

 

  1. Vinnie Paul ha dejado una clara huella dentro de la escena del metal, siendo influencia de varios bateristas de agrupaciones más modernas. Entre ellos se encuentran Chris Adler de Lamb Of God, Jeremy Spencer de Five Finger Death Punch, el también fallecido Jimmy “The Rev” Sullivan de Avenged Sevenfold, Dave McClain de Machine Head, entre varios más.

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  1. Vinnie ha declarado que decidió nombrar como Gemini al grupo que armó junto a su hermano (y que posteriormente se llamaría Pantera) debido a la influencia de algunas agrupaciones como Journey y Heart.

 

  1. Vinnie Paul creó su propia disquera Big Vin Records, y que con ella tuvieron el lanzamiento de Rebel Meets Rebel, un disco de country metal hecho por David Allan Coe y el resto de los integrantes de Pantera (con excepción de Anselmo ya que estaba ocupado en otros proyectos). Esto repercutió en que otros agrupaciones y artistas como Seventh Void, Fountainhead, y The Hillbilly Orchestra firmarán con este sello discográfico.

 

  1. En una entrevista realizada meses atrás, el legendario baterista nombró algunos discos que cambiaron su vida para siempre. Desde títulos de la misma autoría con Pantera como el Cowboys From Hell y Far Beyond Driven; hasta otros que han dejado un fuerte legado en el rock y el metal: el Alive de Kiss, el Reign In Blood de Slayer, el Painkiller de Judas Priest y el Appetite For Destruction de Guns N’ Roses. Éste último siendo el álbum que quiere que suene en su funeral.

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  1. Entre las principales influencias de Vinnie se encuentran Tommy Aldridge, Bill Ward, John Bonham, Neil Peart, Mikkey Dee (que en su tiempo estaba con King Diamond previo a su incorporación a Motörhead), y Peter Criss.

 

  1. Durante estos años, Vinnie ha intentado publicar su propio libro de cocina titulado “Drumming Up An Appetite With Vinnie Paul”. También comentó sobre su pasión que tiene hacia lo culinario y que en dicho libro se encuentran un aproximado de 150 recetas. Algunos de sus platillos favoritos eran las alitas y los chiles jalapeños rellenos así como los habaneros. Por ahora no se sabe si este libro será publicado en algún momentos del futuro o permanecerá como una reliquia que nunca dio a la luz.

 

  1. En el 2013 apareció como invitado en el video de Black Label Society del track Ain’t No Sunshine, cover que le realizan a Bill Withers. Vinnie aparece como guitarro mientras nos relata la historia de amor de un Zakk Wylde con cabeza de corcel. Cabe añadir que ambos eran personas muy cercanas.

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  1. Vinnie nunca se casó, pero mantuvo una relación amorosa desde el 2014 con la modelo Chelsey Yeager de 33 años. Se coqueteaban muy a menudo en redes sociales y la misma modelo publicaba en su cuenta de Instagram varias fotos con Vinnie. No obstante, su amada pareja laboraba dentro de la industria musical y también fungía como manager y supervisora de todo lo que su hombre hacía.

Su muerte causó una serie de reacciones y tributos en redes. En las que se incluyeron comentarios y pésames de Scott Ian, Charlie Benante, Bred Michales Dave Mustaine, Alice Cooper, Dukk McKagan, así como de sus mismos compañeros de Hellyeah: Tom Maxwell y Chad Gray. Además, varias agrupaciones rindieron tributo al caído baterista en sus presentaciones en el viejo continente: Megadeth, Avenged Sevenfold, Sebastian Bach (ex Skid Row), Alice In Chains, entre varias más.

La reunión de los hermanos Abbott ya se efectuó y su legado retumba más fuerte que nunca. Gracias por los redobles y el metal en todos estos años.

Descanse en paz Vinnie Paul Abbott (1964-2018)

Reseña: Love Is Dead-Chvrvhes

Por: Germán Ortega | @Gobi3_1

Cuando el grupo originario de Escocia dio a luz su ópera prima “The Bones Of What You Believe”, varios medios y público se empezaron a cuestionar el hype que merodeaba en el conjunto y que si dicha recepción crítica de su debut (la cual fue muy bien recibida) sería algo efímero o si los veían como la nueva gran propuesta proveniente del país del alba. Implementado un synthpop con cierta influencia ochentera y de grupos pilares del género como lo es Depeche Mode, al que incluso les tocó abrir algunas de sus presentaciones del Delta Machine Tour en el 2013.

Dos años después, la misma línea instaurada se prosiguió decorosamente para Every Open Eye, que si bien no supera a su debut, no defrauda en lo absoluto en lo que muchos pretendían que se descalabrarían artísticamente (ese mito del segundo disco y que ha sido la prueba bomba en muchos artistas y bandas, y que no todos logran pasar). Incluso, una de sus canciones llegó a ser parte del soundtrack de la película Catching Fire, segunda entrega de la saga de Los Juegos del Hambre, basada en las novelas de Suzanne Collins. Todo estaba en orden con Lauren Mayberry y compañía con tan solo dos discos.

Tres años más tarde estamos parados ante Love Is Dead, su tercer álbum de estudio en el que muchos se cuestionaban si continuarían con el mismo estilo de sus dos primeros materiales. Lo cual es cierto (en porciones), pero la evidencia más concisa es que esta nueva placa busca el adentrarse a probar con otros estilos, lo cual termina jugándoles en su contra por ratos.

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El álbum arranca con Graffiti, un indicio bastante eufórico y que adentra al escucha sin ningún tipo de dificultad. Igual sucede con Get Out, primer avance que se dio a conocer, y que la adición de elementos góticos en los sintetizadores la hacen un track atrayente con la ayuda de la producción de Grek Kurstin (que ya ha trabajado con Sia y Adele). Bastaba escuchar esta dupla de pistas que indicaban la dirección que se buscaría navegar a lo largo de la placa.

Pero en Deliverance, los deslices se empezarían a hacer presentes, y no únicamente en la parte melódica o los sintetizadores, si no con la repetición excesiva de palabras como never y ever (sigo sin entender ese afán por querer aplicar la fórmula de repetir vocablos o sílabas que en su tiempo les funcionó perfectamente a Rihanna con Umbrella, y a Lady Gaga con Poker Face y Telephone). Y aunque para el inicio de Forever nos imaginamos que el track tomaría su propia ruta, termina pecando con la misma implementación melódica que ya le hemos escuchado a la banda, aunque las melodías ya se han tornado más dóciles y optimistas sin perder la pulpa ochentera.

No obstante, la colaboración con Matt Beringer de The National es otro de los puntos fuertes del disco con las tenues notas de sintetizadores y sin adornos que puedan saturar al track, convirtiéndolo en algo hermoso y liviano. Bastante atinada esta primera colaboración del trio de Glasgow, esperemos y sean igual de fructíferas las que se realicen en lanzamientos futuros.

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Aunque la voz de acompañamiento se me hizo muy precisa con los coros en Never Say Die, el tono robótico termina inflándolo al grado que la agrupación pareció acercarse más a crear un éxito de EDM o alguna agrupación genérica que pueda sonar en las estaciones de radio pop y alcanzar lo más alto de las listas de éxitos del momento. Dicha situación se repetiría desafortunadamente con Miracle, cuyo coro busca ser relativamente épico y termina siendo muy banal a pesar del sólido verso al inicio del track.

En cambio, Graves y Heaven/Hell regresan al estilo que le conocemos del trio que recuerda a sus primeras placas. Sin ninguna novedad, pero con menos saturación, coros adyacentes y entregando las piezas más bailables de todo el disco. Pero si hay un verdadero mérito en cuanto a quedarse totalmente enganchado a más no poder, ese ocurriría con God’s Plan, el track más distinto de todo el disco (y me atrevería a decir que de la misma banda también) con un toque inclinado hacia corrientes que añejan al big-beat de los noventa con cierto tinte a Underworld.

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La intensidad y esqueletos se tranquilizarían para Really Gone, que marcaría el inicio del fin del disco en la que sobresale la intensidad de las notas de sintetizadores, para así poner el punto final con Wonderland, que repite la fórmula de Get Out y con una muy bien lograda y mesurada aceleración en las vocales.

El problema con Love Is Dead no son las intenciones de Chvrches de querer navegar en otras aguas, éstas se notan y creo que tienen la suficiente capacidad para poder implementarlas de una gran forma, cosa que en este disco simplemente no funcionó por el hecho de caer en la repetición de varios elementos que incluso ellos terminan excediéndose.

En el aspecto lírico no hubo tanto conflicto, aunque se ven muy bien definidos hacia la temática que buscan abordar y la supieron desarrollar en el disco (pero basta de repetir la fórmula rihannesca por favor). La necesidad de arriesgar ha sido algo que se apodero en Chvrches en esta nueva placa, pero cuyas ideas se ven saboteadas por la excesiva repetición de sus elementos corales además de implementar un sonido que involuntariamente puede volverse genérico.

Love Is Dead no manda a la tumba a Chvrches, pero que sirva como una llamada de atención si es que quieren conservar o mejorar la pulcritud en sus composiciones para evitar la penosa necesidad de perder el interés en muchos oyentes por su involuntaria monotonía. Aunque lo anterior no provocará que les demos la espalda (por ahora), al menos se conserva el entusiasmo de verlos el 18 de noviembre en el Corona Capital.

Título: Love Is Dead

Artista: Chvrches

Género: Synthpop, New Wave

Fecha de Lanzamiento: Mayo 25, 2018

Disquera: Virgin Emi

Rusia 2018: Bandas rusas que no conoces y deberías escuchar

Por Germán Ortega | @Gobi3_1

La copa del mundo está a la vuelta de la esquina. Es cuestión de unas cuantas horas para que la vigésima primera edición del torneo de selecciones más importante del mundo se ponga en marcha, han sido cuatro largos años de espera y el ambiente ya se disfruta en tierras rusas como en el resto de las naciones. Y como ya es tradición, siempre que se alberga un mundial es inevitable que la gente se adentre en la cultura o tradiciones del país anfitrión por los próximos 31 días además de ver los sesenta y cuatro partidos de este torneo. Sin embargo, Rusia no se caracteriza solamente por las matrioshkas, la Plaza Roja de Moscú, la presidencia de Vladimir Putin, la música de Chaikovsky, y sus gélidos paisajes.

Para esta ocasión, haremos hincapié en algunas agrupaciones rusas que debes de escuchar y que traen un concepto bastante interesante que te van a llamar la atención.

ARKONA

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Originarios de la capital rusa y formados en el año 2002, este conjunto de folk metal o metal pagano se ha encargado de poner a bailar a varios de sus seguidores con sus diversas melodías que hablan sobre sucesos importantes de la historia rusa y la mitología eslava. Si le han entrado a este subgénero metalero saben que las gaitas u otros instrumentos de viento además de incorporar elementos folclóricos como el piano y abordar la temática mitológica son la esencia de éste, pero lo que hace más interesante el concepto de Arkona es la adición de instrumentos de su natal Rusia como las balalaicas, dormas, acordeones rusos, entre varios más.

El pasado mes de Enero lanzaron su octavo álbum de estudio titulado Khram, el cual puedes conseguir en la tienda oficial de la banda así como en plataformas digitales y tiendas en línea. De este material se desprenden los tracks Shtorm y V Pogonie Za Beloj Ten’yu.

Tracks esenciales: Yarilo, Goi, Rode Goi!; Vozrozhdenie.

HUMAN TETRIS

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Pasemos a ondas más inclinadas hacia sonidos alternativos. Formados en el 2008 y originarios de la capital rusa, el conjunto liderado por Arvid Kriger implementa un post-punk que hace remembranza al sonido de Joy Division añadiendo ciertos riffs livianos que le da una atmósfera más melancólica sin perder ciertos toques indie. Recientemente lanzaron su más reciente material discográfico titulado Memorabilia y el cual se encuentran en plena promoción en Europa y parte de Latinoamérica.

Ellos se estarán presentando en la CDMX este viernes 15 de junio junto a Cold Showers en el Foro Indie Rocks, y repetirán el combo el sábado 16 en el escenario C3 de Guadalajara. Si tienen la oportunidad de asistir a alguna de estas presentaciones, les garantizamos que quedaran con un gran sabor de boca.

Tracks esenciales: Things I Don’t Need, Insanity, Summer In Crimea.

MESSER CHUPS

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Fundados en 1999 y con origen en San Petesburgo, este conjunto ha caracterizado a la escena del garage y surf rock en la que experimentan con diversas percusiones y sonidos que se aproximan al jazz o sonidos tropicosos experimentales. Además, es inevitable reconocerles la fuerte influencia de grandes películas de los sesenta y setenta, sobre todo los westerns y cine de terror clásico. Basta con ver las portadas de sus álbumes así como sus videoclips.

La carrera de este conjunto la conforman quince lanzamientos de material inédito y cinco complicaciones, el más reciente se titula “Taste Of Blood Of Guitaracula” y se lanzó en octubre del 2017. En ese mismo año pero en el mes de febrero, se presentaron en México por primera vez dejando mucho baile y sed de rock n roll en sus asistentes. Esperemos que no tarden en regresar para repetir la efectiva dosis.

Tracks esenciales: They Call Me A Zombie, Magneto, Tchaikovsky Beat.

MOTORAMA

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Unos muy consentidos por parte del público mexicano y que se han presentado muy frecuentemente en nuestro país. Con origen en Rostov y trece años de trayectoria artística, la agrupación liderada por Vladislav Parshin se ha caracterizado por abordar un estilo indie con toques de post-punk y suplementándolo con sintetizadores de aires más ambient. Al momento que uno los escuche, entrará la discusión sobre la voz de su líder comparándola con la de Ian Curtis (hasta se nota la influencia de Joy Division en el conjunto), solo que los rusos buscan adentrarse a melodías más lúgubres, amorosas y señeras.

Tracks esenciales: Anchor, One Moment, Heavy Wave.

ORIGAMI


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Volvamos a melodías más pulgosas. Formados en 2001 y con origen en San Petesburgo, los comandados por Artem Kasaev han sido uno de los conjuntos destacados de la escena emo/post-hardcore de ese país. Cuentan con solo tres materiales de estudio y un Unplugged lanzado en el 2007. Si la oleada de bandas emo es de tu preferencia, ésta ya tiene un lugar asegurado dentro de tus playlists.

Tracks Esenciales: Смысла больше нет (Ya No Hay Sentido), Без лишних слов (Sin Palabras Superfluas), без семян (Sin Ti).

POMPEYA


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Provenientes de la capital rusa, con cuatro EPs y cuatro largas duraciones en doce años de trayectoria; esta agrupación podría catalogarse como de las mas bailables) en Indie Pop y complementándolo con sintetizadores melódicos y danzantes riffs de temática setentera y ochentera (percibiendo la influencia de Prince en sus composiciones) y vacilonas letras. Ellos ya se han presentado en México en un par de ocasiones: 2013 y 2016.

Su más reciente material lleva como título Dreamers y fue lanzado hace unos cuantos días, exactamente el primer día del mes de Junio. Ya lo puedes encontrar en plataformas digitales o comprarlo en la tienda oficial de la banda.

Tracks esenciales: Power, Slow, 90

PUSSY RIOT

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Uno de los conjuntos más controversiales dentro de la lista. En sus siete años de trayectoria no han sacado un LP en sí, pero han lanzado diversos sencillos que hablan sobre las diversas desdichas que rodean al país ruso como al resto del mundo. La oposición a Vladimir Putin, la defensa de los derechos LGBTTTI, el feminismo, la violencia, las declaraciones del mandamás estadounidense, entre varios temas más que han generado descontento en el conjunto como en los habitantes del planeta. Todo complementándolo con acometedoras letras y los diversos videos que se han vuelto virales en la red (incluso el arresto de dos de sus integrantes por sus manifiestos en una iglesia de Moscú). Y ya ni digamos de lo que son sus presentaciones en vivo, que son una convocatoria en defensa de lo arbitrario. Los que estuvieron en el más reciente Vive Latino sabrán lo que es ser parte de esta experiencia que dudo y se repita pronto.

El grupo se puede categorizar como art rock o protest art, aunque algunos de sus tracks si tienen un sonido más pulgoso y manifestante remembrando al punk clásico de finales de los setenta.

Tracks esenciales: I Can’t Breathe Putin Lights Up The Fires, Police State

SLOT

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Si algún lector está mas enfocado en la onda del nu-metal o metal alternativa, sus plegarias fueron escuchadas y esto será de su gran agrado. Originarios de Moscú y formados en el 2002, este quinteto ha sido uno de los mayores éxitos comerciales que el género ha dado con su video Odni, que fue transmitido en MTV a nivel mundial por varias semanas consecutivas. Dicho suceso ocasionó enorme cantidad de visitas en sus redes sociales y su sitio web que incluso los llevo a salir de gira con Clawginger, Korn (con la cual compartieron escenario en el 2006), y Samael.

Al momento de escuchar sus canciones, será inevitable que los compares con Linkin Park, Ill Niño, Limp Bizkit y otras agrupaciones que caracterizan a este subgénero, y que incluso sirvieron como influencia para la misma banda.

Tracks esenciales: Odni, Mertie Zvezdi, Oni Ubili Kenni

Acá les dejamos este plylist para que arranquen la Copa del Mundo con rock desde Rusia:

Robbie Williams, un futbolero en la Ceremonia de apertura de la Copa del Mundo

El inicio del Mundial de Rusia está cerca y uno de los encargados de amenizar dentro de la Ceremonia de Apertura del próximo jueves es Robbie Williams, uno de los mejores exponentes de la música pop en Inglaterra en los últimos 20 años pondrá a cantar y bailar a los más de 80 mil espectadores que estarán presentes en el Estadio Luzhniki previo al partido inaugural entre Rusia y Arabia Saudita.

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Para Robbie Williams el estar en la Ceremonia de apertura es bastante significativo pues el cantante inglés es realmente un apasionado del fútbol e hincha confeso del Port Vale, un pequeño equipo que actualmente juega en la League Two (Cuarta División de Inglaterra).

A Robbie es fácil verlo en sus días de descanso con camisetas de Port Vale o de la selección de Inglaterra, su pasión por el juego incluso la llevó a la portada del que quizá sea su mejor disco, o al menos el más vendido de su carrera “Sing When Your Winning”, en el que se inspira en una canción de tribuna del mismo nombre y en donde se ve levantando un trofeo y a sus espaldas tiene una de las tribunas de Stamford Bridge, casa del Chelsea.

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Williams es todo un clásico en los partidos de caridad en Inglaterra, todo un insustituible en el Soccer AID, para no ir más lejos en la edición de este 2018 estuvo presente y además fue el capitán de Inglaterra en Old Trafford venciendo en penales al combinado Resto del Mundo.

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Robbie Williams se mostró muy emocionado al conocer que será el encargado de calentar motores previo al primer partido de Copa del Mundo:  “Estoy muy contento y emocionado por volver a Rusia para una actuación como esta. Hice muchas cosas en mi carrera, pero inaugurar el Mundial ante 80.000 aficionados al fútbol y muchos millones por todo el mundo es un sueño que tuve desde niño”

RESEÑA: PREQUELLE-GHOST

Por: Germán Ortega | @Gobi3_1

Amados, odiados, satánicos, controversiales, sobrevaluados, comerciales. Usted califique con el término que considere adecuado para definir a un grupo como lo es Ghost, que han causado un enorme impacto dentro de la farándula del metal actual con el ya icónico look de antipapa (Papa Emeritus I, II y III) y toda la ceremonia que se alberga en cada uno de sus shows junto a los Nameless Ghouls.

Ya parecen tiempos lejanos cuando en el 2010 el grupo sueco sorprendió a muchos con su debut Opus Eponymus, material que se caracterizó por los tintes doom que encajaban adecuadamente con el concepto que el grupo dio como carta de presentación. Más allá de la controversia que se diga sobre el parecido con King Diamond y el todo el rito que conllevaba sus presentaciones en vivo, no se podrá negar que fue un debut bastante sólido y sombrío en cuanto a las melodías y coros, destacando tracks como Con Clavi Con Dio, Ritual y Stand By Him. Para esos tiempos, Ghost era una banda que mucha gente y celebridades del metal (digo, hasta James Hetfield y Phil Anselmo les reconocían el talento portando su merch) calificaban con una promesa. Y esos vitoreos fueron en aumento cuando lanzaron su segunda larga duración Infestissumam en el 2013, del cual se desprenden temas enigmáticos como lo son Monstrance Clock y Year Zero. Este disco era la prueba más clara que el grupo liderado por Tobias Forge (que en su tiempo su identidad era un misterio) no quería quedarse haciendo pan con lo mismo y tuvieron una ardua prueba. Pero con ésta también se empezó a evidenciar las diversas escarpaduras en los tracks así como momentos bastantes desconcertantes, aunque con la identidad y concepto más pulidos.

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Pero no fue hasta 2015 cuando Ghost llegó a lo más alto del pináculo en cuanto a su creatividad musical y fama con el lanzamiento de Meliora, que demostraba el gran momento creativo que pasaba Forge y con el que empezaron a posicionarse como headliners (o casi) en muchos festivales y que siempre sorprendían con su gran puesta en escena. Temas como Absolution, From The Pinnacle To The Pit, Cirice y Mummy Dust que se han vuelto imprescindibles en sus presentaciones en directo, donde se destaca las sucesiones de órgano así como los coros bastante accesibles. Y esa línea continuó de manera sólida para el lanzamiento de Popestar, un EP del cual se sustrae la sublime Square Hammer. Parecía que para Tobias la mesa ya estaba servida con toda la atención del público y celebridades, sin embargo, no todo fue el manjar que el mismo se esperaba con el abrupto cambio de Nameless Ghouls en la gira de promoción de dicha placa discográfica, y que al final terminó por revelar su verdadera identidad. Eso solo fue el inicio de varias permutas.

Para principios de este 2018, las redes sociales de la banda publicaron una serie de videos sobre la inminente larga duración de la banda y en la que muchos pensaban que sería el turno del Papa Zero (presentado en el último show del el Papa Emeritus III antes de su secuestro) de tomar la batuta del conjunto en los próximos meses. Y vaya sorpresa la que nos llevamos con el sacrificio de los tres Papas Emeritus para así darle vida al Cardenal Copia, y por ende a una nueva etapa en la agrupación con el lanzamiento de Prequelle, su cuarta larga duración que apenas se dio a conocer hace unos cuantos días.

Al escuchar este material, se nota claramente las intenciones de Tobias en adentrarse a nuevos sonidos y hacer el concepto teatral más arraigado. Desde ese preludio con Ashes y Rats, primer sencillo que se dio a conocer que retrata la peste negra, hasta con Faith, track en el que sobresale aquel derrumbante inicio para proseguir con un riff super intenso que harán matear a cualquiera invocando al mismísimo Lucifer y en la que bien se pudo encaminar a un grito gutural en el último verso. Muchos pensarían que el camino de Prequelle estaba definido con esta tercia de piezas, pero las cosas empezarían a cambiar de forma gradual.

En See The Light es inevitable que venga la comparación con Cirice, y aunque no está cerca de igualarla, basta con percibir el imperioso protagonismo del piano de una forma tan simple y liviana. Las cosas se pondrían más interesantes (y un poco progres) con Miasma, la primera de dos instrumentales incluidas en el material, donde parece mezclar el sonido retro setentero de cada instrumento que se apodera en momentos del track. Desde el dominio de los sintetizadores, hasta el órgano y ese refinado solo de saxofón interpretado por el Papa Nihil. Mucha pieza e intriga por saber cómo sonará esto en directo. El canto regresaría para Dance Macabre, segundo sencillo del material y en el que es inevitable reconocerles la clara influencia de Abba, entregando una de las mejores estrofas de todo el material así como el track más escueto y accesible.

La segunda parte del disco abriría con Pro Memoria, en el que patentiza el gran altibajo de todo Prequelle, los excesos de duración y ambición que al final de cuentas no terminan por cuajar. Pudieron ahorrarse o incluso reducir de manera más considerable ese intro que busca darle cierto dramatismo pero que termina cansando por más conciso que queden las notas de piano que le prosiguen así como las remilgadas letras. La temática de la peste negra continuaría con Witch Image, track que incluso podría parecerles un poco familiar al sonido que Bon Jovi concretó en tracks como It’s My Life o alguna agrupación setentera que los influenció a crear esta pieza con diversos cambios de tiempo y coros contagiosos.

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Ya para la parte final nos toparíamos con Helvetesfönster, la segunda instrumental del disco en donde se explora una faceta más fantasiosa o folclórica que parece ser influenciada por las ideas del buen Mikael Akerfeldt (líder de Opeth); y Life Eternal, que entrega la rola más emotiva y de lagrima del álbum, además de ser el cierre más corto que Ghost ha tenido en sus cuatro placas. Pudo haber dado para más si no se hubiera excedido en cuanto a la monotonía de sus versos y melodías que no terminan por enganchar al oyente.

No creo que Prequelle sea un disco mediocre o el que los mande directo a la tumba, pero si uno empalagoso e inconsistente en cuanto a la tonalidad que se ve afectada por las mismas intenciones de Tobias de experimentar. No me atrevería a describirlo como monótono ya que Ghost es una agrupación que siempre ha manejado la repetición en sus coros pero la concisión siempre la tienen en las partes armónicas así como en los diversos adornos que utilizan como esa chispa que los ha etiquetado desde sus inicios. No todo de eso se desvaneció en esta placa, pero si faltó cierta cohesión entre las piezas que pone sobre la mesa la principal premisa del disco: los altibajos de Prequelle a que se deben ¿la excesiva genialidad y buen momento por el que pasa Tobias Forge, o el tosco cambio de alineación en los Nameless Ghouls?. Usted formule su veredicto hacia la idea que más se incline ante la cuarta larga duración del ritual sueco, por lo menos no nos quitaron las ganas de asistir a misa y parece ser que no habrá obstáculo que lo impida aún por más inconsistente material que entreguen.

La supremacía de Ghost continúa, y parece que no habrá nada que detenga a Tobias Forge de querer devorarse al mundo entero.

 

Título: Prequelle

Artista: Ghost 

Género: Hard Rock, Heavy Metal 

Fecha de Lanzamiento: Junio 1, 2018 

Disquera: Loma Vista Recordings 

Duración: 42 minutos

Reseña: Wide Awake!-Parquet Courts

Por: Germán Ortega | @Gobi3_1

A pesar de no contar una larga trayectoria (tan sólo ocho años), los originarios de Denton, Texas han conseguido una gran aclamación por parte de los medios y el público del género con el constante crecimiento que han tenido conforme al lanzamiento de cada una de sus placas. Desde aquel American Specialities y Light Up Gold que se caracterizaban por entregar versátiles piezas que en promedio no sobrepasan de los tres minutos, hasta el Sunbathing Animal y Human Performance en el que empezaron a experimentar sin tener pelos en la punta de la lengua y en las que también se iniciaron ciertas comparaciones con The Strokes o Cake.

Este último (Human Performance) considerado por muchos como el punto de maduración más certero hasta la fecha. Aunque otro punto de inflexión destacado en cuanto a la inducción de nuevos estilos lo experimentaron el año pasado con el lanzamiento de Milano, un disco colaborativo con Danielle Lupi y en el que también contó con la participación de la encantadora Karen O de los Yeah Yeah Yeahs. Esta placa se constituía de diversas temáticas, mitos y otras historias que ocurrían en aquel poblado italiano en la década de los ochenta con varios estilos que se derivaban del art rock o art punk.

Parquet Courts

Y fue hasta hace unos cuantos días cuando la agrupación liberó su sexta larga duración titulada Wide Awake!, un disco en el que si más bien coquetean con otros estilos que no les habíamos escuchado anteriormente, también continúan con la línea y el estilo característico que sigue vigente en Austin Brown y compañía. Para este material se contaría con la producción de un gran conocido como lo es Danger Mouse (quien también le ha producido a U2, Red Hot Chili Peppers, Beck, The Black Keys, etcétera) y que mostró gran precisión para esta nueva placa.

Con Total Football, el álbum arranca con un carraspeo del post-punk en el que destacan la notas de Sean Yeaton en el bajo (elemento que sería de lo más disfrutable para el resto de la escucha) y aludiendo la rivalidad entre la colectividad y el individualismo (concepto acuñado por la selección holandesa de los años setenta). En Violence el disco se translada a tocar aristas más inclinadas al funk mientras desatan un discurso que relata al Estados Unidos trumpiano, aquí se evidencia de lo certera y meritoria que fue la producción de Danger Mouse en este disco convirtiéndola en una experiencia absorbente. Se prosigue con Before The Water Gets Too High en donde se consigue la combinación liviana de órgano y bajo un toque muy a la lo-fi. A este paso, ya notamos que el disco es y seguirá de ecléctico para el resto de los tracks.

Pasaríamos a piezas más entusiastas y melosas como lo son Mardi Gras Beads y la fusión Almost To Start a Fight/ In And Out Of Pacience, en donde se destaca la precisa ejecución de intro con los coros y riffs así como el cambio de velocidad entre ambos cortes. Para Freebird II sobresalen las notas de órgano pegadizas con cierto toque folclórico boyante. En Normalization nos toparíamos una base rítmica que parece estar muy influenciada por el estilo que The Beatles implementó en su material homónimo con letras que desmesuran los problemas del normalizar ciertas problemáticas de la población que terminan en descontento (violencia, pasividad). Para Back To Earth, la atmósfera lo-fi cósmica retornaría con tópicos del amor y la muerte, pero parece carecer de alguna matiz que el resto de los tracks sí pudieron cuajar en su resultado final. Éste podría ser el altibajo más palpable de todo el disco.

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Para el track homónimo (Wide Awake!), pasaríamos a un ambiente más jolgorio en donde se cuenta con silbatos, percusiones más inclinadas hacia lo tropical complementándolo con los riffs de la casa que ellos saben efectuar a la perfección. Las fuertes melodías vocales regresarían (aunque sea en tan poco tiempo debido a la duración de ambas piezas) para NYC Observation y Extinction. En Death Will Bring A Change nos entregarían una melodía amigable acompañado de coros con niños en la que se hace hincapié a un tema doloso como lo fue la muerte de la hermana de Austin Brown y la repercusión en su estado anímico. Puede sonar un poco pretencioso por contrastar dos caras de la moneda en un track, pero no hay desperdicio alguno en la escucha. Para así, llegar punto final con Tenderness y su excelsa y simpática línea de piano que hacen remembranza a un art punk más bailable y que en algún momento agrupaciones como The Clash llegaron a ejecutar.

Tras escuchar este Wide Awake! uno sale con la sensación de más; ya sea por el mismo escucha o por las ideas que implanten Austin Brown y A. Savage, ya que ambos parecen dejar en punto y aparte toda esa reunión de ideas y ejecuciones que aún les quedan por liberar. Parquet Courts puede ser esa agrupación que no busque llenar venues de gran capacidad o se conviertan en los nuevos exponentes del género, pero si una que se está adentrado en nuevos territorios (sin ningún tipo de extremismo) y no inclinarse solamente en un género que otros conjuntos han querido apostarle; todo sin perder el sello característico de sus primeros materiales.

Con este disco, Parquet Courts nos despierta la intriga de su próxima larga duración que esperemos no tarde en llegar.

Título: Wide Awake!

Artista: Parquet Courts

Género: Indie Rock, Funk, Lo-Fi, Garage

Fecha de Lanzamiento: Mayo 18, 2018

Disquera: Rough Trade

Duración: 39 minutos